WELL ART - Jessica Ostrowicz sull'arte che offre riparo. "Ho iniziato a costruire un tetto simbolico sopra la mia testa."

La mostra "Persisting Without Return" a Breslavia è la prima personale di Jessica Ostrowicz in Polonia e una storia incredibilmente personale sulla memoria, l'identità e la ricerca di rifugio. In una conversazione con l'artista, approfondiamo le profondità del suo processo creativo, dove la materia diventa veicolo di emozioni e strumento per guarire traumi multigenerazionali. Impariamo cosa significa casa e perché l'arte dovrebbe essere accessibile a tutti.

Il 16 luglio ha debuttato la mostra " Persisting Without Return ", la prima personale di Jessica Ostrowicz in Polonia. Un'ora prima dell'inaugurazione ufficiale, prima ancora che i primi visitatori entrassero da OP ENHEIM , ho avuto l'opportunità – e la fortuna – di parlare con l'artista Jessica e la curatrice della mostra, Philine Pahnke .

Ci siamo incontrati nel cuore della mostra , che, a prima vista, sembrava essere sempre esistita lì. Era come se gli interni storici dell'edificio e le esperienze personali dell'artista vivessero in una sottile simbiosi. Philine ci ha indicato la strada, svelando i diversi livelli della mostra , e Jessica ha parlato con calma, con la tenerezza e la sincerità che emergono quando la conversazione tocca qualcosa di veramente importante.

Ci siamo fermati davanti a gusci d'uovo, nidi intrecciati con i capelli, frammenti di tubi: piccoli oggetti che, in questo spazio, assumevano il peso di monumenti. Ognuno di questi oggetti, come se sussurrasse, di una casa che non esiste più, di una storia familiare difficile e della lotta per superare il trauma del passato.

Visita guidata durante l'inaugurazione della mostra "Persisting Without Return" di Jessica Ostrowicz / foto: Wojciech Chrubasik

Jessika Ostrowicz sull'arte che guarisce

Angelika Lachawiec Well.pl : Come è iniziata la tua avventura con l'arte? Hai sempre pensato che sarebbe stata la tua forma di espressione personale?

Jessica Ostrowicz: Sono sempre stata un'artista creativa. Ho sempre amato disegnare fin da quando avevo due o tre anni. A un certo punto, ho semplicemente detto alla mia famiglia che volevo diventare un'artista, e da allora ho continuato a seguire quella strada. Ho studiato arte per otto anni e, dopo la laurea, mi sono impegnata costantemente per diventare un'artista a tempo pieno.

La tua arte è profondamente personale: sei cresciuto conoscendo solo un frammento della storia della tua famiglia legata all'Olocausto. La verità sulle radici ebraiche di tuo nonno è venuta alla luce solo dopo la sua morte. Come ti sei sentito a scoprire una parte così cruciale della tua identità? Ha influenzato il tuo lavoro?

Sapevo che una parte della mia famiglia era di origine ebraica, e avevo persino frequentato una scuola elementare ebraica, ma pensavo che riguardasse solo un "ramo" della mia famiglia. Solo in seguito ho scoperto la verità. Credo che questo mistero abbia ispirato il mio lavoro. Sono le narrazioni familiari e culturali – il modo in cui raccontiamo la storia di chi siamo – a influenzare la nostra percezione della realtà.

Cosa è cambiato esattamente?

Spesso elaboriamo le esperienze reprimendole. Vorremmo andare avanti dimenticando il passato, ma è impossibile. Se vogliamo elaborare il trauma, dobbiamo prima esaminare ciò che è stato nascosto. Dobbiamo "entrare" in questo processo doloroso e smantellare tutto. Solo allora potremo iniziare a rimettere insieme i pezzi e a guarire le ferite a modo nostro.

L'arte era la tua strada?

Sì. La mia situazione qui è piuttosto unica. Spesso è la seconda o la terza generazione a sentire veramente il trauma che eredita. La prima generazione vive il trauma, i figli ne sono empatici e la generazione successiva, come me, riesce a prenderne le distanze abbastanza da vederlo davvero. Sento questa storia dentro di me, ma posso affrontarla, posso iniziare a cambiare le cose. Spesso si pensa al trauma come a qualcosa che semplicemente ereditiamo e basta. Ma se riusciamo a trasmettere dolore e sofferenza, possiamo anche trasmettere qualcosa di buono. La trasformazione è possibile.

È vero che da lontano è più facile vedere le tracce lasciate dal trauma. Anche il tema della "casa" ricorre spesso nei tuoi progetti. Cosa significa "casa" per te oggi?

Da bambini, abbiamo spesso un'idea idealistica di cosa sia la casa: un luogo di calore, sicurezza e stabilità. Ma crescendo, tutto diventa più complicato, perché la casa non è solo un edificio, ma soprattutto relazioni, che diventano sempre più complesse nel tempo. A un certo punto, dobbiamo riorganizzare i nostri pensieri e sentimenti sull'infanzia e sulla famiglia. Allora iniziamo a capire veramente cosa significhi per noi la casa. Per me, questo assume una dimensione aggiuntiva, poiché provengo da una famiglia che, per generazioni, è stata costretta a trasferirsi e a volte a fuggire. Per me, la casa è un insieme di ricordi, relazioni ed emozioni. È anche un senso di sicurezza. Il significato di casa ha assunto una nuova dimensione per me quando ho iniziato a lavorare nelle carceri. È un luogo che difficilmente si può chiamare casa, eppure ci vive un folto gruppo di persone. Nonostante ciò, i detenuti cercano di creare almeno una parvenza di casa lì.

La tua mostra presso OP ENHEIM è la tua prima personale in Polonia, e in un luogo così unico, che per anni è stato un importante centro della vita della comunità ebraica di Breslavia. Eri consapevole di questa storia quando hai scelto lo spazio?

Assolutamente no! È stata una coincidenza perfetta, quasi magica! Solo in seguito ho iniziato ad approfondire la storia dell'edificio. Oggi posso dire che si è instaurato un rapporto quasi simbiotico tra il mio lavoro e la storia e la "vita" dell'edificio stesso. Questo spazio, in un certo senso, celebra la sua storia, attraverso piccole crepe, attraverso i pavimenti scricchiolanti. Quando Philine e io lavoravamo alla forma finale della mostra, ci siamo assicurate che anche i più piccoli elementi fossero adattati allo spazio. Sento che questo spazio è parte integrante della mostra.

Il nuovo volto dell'arte secondo Jessica Ostrowicz: ceramiche, capelli e gusci d'uovo al posto di pennelli e acquerelli

Invece delle tradizionali tele, pennelli e colori, utilizzi materiali piuttosto insoliti e fragili come ceramica, capelli e gusci d'uovo. Da dove nasce questa idea?

Oggigiorno, molte opere d'arte vengono create utilizzando materiali costosi, eppure l'arte dovrebbe essere ampiamente accessibile, in modo che tutti possano creare, indipendentemente dal budget. Inoltre, mi piace quando almeno un elemento nelle mie opere proviene da casa e mi sta a cuore. Le mie opere presentano spesso elementi semplici ma emotivamente significativi. Il materiale con cui creo è molto importante per me e se non ho un legame emotivo con esso, non vedo il senso di usarlo.

Qualche esempio particolare?

Quando vado a fare una passeggiata, raccolgo gusci d'uovo e poi li "trasformo" in un'opera d'arte: creo un'interpretazione dell'uovo su carta. È affascinante che la vita di un uccello inizi in un uovo. Per nascere, deve distruggere la sua prima casa. È bello e simbolico. Ogni guscio d'uovo che trovo racconta una storia su un luogo e un momento specifici. Ad esempio, questo guscio d'uovo risale al giorno prima del mio matrimonio, e questo l'ho trovato il giorno dopo.

Jessika Ostrowicz sulle emozioni nell'arte

Parlando di emozioni, c'è un'opera in mostra che ti ha particolarmente colpito o con cui hai trovato difficile lavorare?

Ci sono molti oggetti in mostra che mi creano emozioni difficili. Credo sia fondamentale considerare tutte le opere in modo olistico. Sono un po' come capitoli di un'unica storia. Trovarsi in questo spazio è come trovarsi in una stanza piena di specchi, che riflettono diversi aspetti di me stesso. Alcune di queste opere mi commuovono per ciò che rappresentano. Altre perché mi hanno richiesto anni di lavoro. Altre ancora sono state create in collaborazione con altre persone.

Allora, quale ti emoziona di più?

Dopo la morte di mio nonno, ho iniziato a collezionare nidi. Mentre riordinavo casa sua, ho trovato un nido d'uccello nel capanno. Era fatto di capelli – pensavo potesse appartenere a mia nonna – e piccoli oggetti del giardino. Dentro il nido c'era un piccolo uovo. Ho pensato che fosse una metafora della casa, che era letteralmente creata da frammenti della vita dei miei nonni. Così ho deciso di aggiungere qualcosa di mio. Ho messo delle piccole pietre all'interno – quelle che nella tradizione ebraica si pongono sulle tombe in segno di ricordo. È stato il mio gesto di guarigione. Nello stesso capanno, ho trovato un sacchetto di carta contenente i capelli della mia bisnonna. Con questi ho realizzato un altro nido, quello che vediamo in mostra. Quest'opera è molto importante per me.

Guardando la mostra, ho l'impressione che anche il motivo degli uccelli ti sia familiare?

È vero! Solo quando ho iniziato a osservare attentamente le mie opere mi sono reso conto di quanto spesso appaia il motivo degli uccelli. Sono creature delicate che amo osservare, soprattutto quando costruiscono i loro nidi. Quando osservo uno stormo di uccelli, c'è qualcosa di ipnotico, persino incantevole, nei loro movimenti. Allo stesso tempo, c'è qualcosa di inquietante. Questa dualità – la combinazione di fragilità, natura selvaggia e irrequietezza – rende gli uccelli incredibilmente affascinanti per me.

E qual è il pezzo su cui hai lavorato più a lungo?

È sicuramente "Exhaust Archive", a cui lavoro da sette o otto anni. Credo di averci messo circa 2.000 ore per crearlo. Tutto è iniziato a Londra, quando cercavo pace. A quel tempo, passeggiavo spesso lungo il Tamigi e la mia attenzione ha iniziato a essere attratta dagli oggetti che venivano portati a riva dalle onde. Tra questi, ho trovato migliaia di frammenti di pipe. Mi sembravano incredibilmente belli: raccontavano storie di persone. Alcuni avevano impronte digitali, nomi incisi o fiori. Ciò che mi incuriosiva era la possibilità di determinarne l'età!

Come esattamente?

Esaminare il diametro del foro, la lunghezza della pipa o valutarne le decorazioni. Ognuno di questi elementi racconta qualcosa di persone di cui probabilmente non scopriremo mai più nulla. Ho sentito il bisogno di entrare in contatto con loro in qualche modo. Ho iniziato a collezionarle e archiviarle. In totale, ho accumulato un migliaio di pipe, ognuna fotografata e misurata con cura. Ho anche iniziato a registrare il suono di ciascuna pipa. L'ultima azione compiuta da qualcuno molti, molti anni fa – a volte anche 600 anni fa – è stata inalare ed esalare fumo attraverso una di queste pipe.

Jessika Ostrowicz sul ruolo dell'artista nel mondo contemporaneo

Hai detto che l'arte dovrebbe essere accessibile a prescindere dal budget. Collabori con i detenuti, studiando attentamente oggetti di uso quotidiano, cercando storie ed emozioni in essi. Quale pensi che dovrebbe essere il ruolo di un artista?

Non credo che diventare artista sia stata una decisione consapevole. Non è che sono andata all'università, ho studiato arte e ho deciso: "Ora farò l'artista". È qualcosa che scaturisce da me. Penso che l'arte sia importante, soprattutto nel contesto di luoghi come le carceri. Vedo con quanta facilità le società – soprattutto quelle privilegiate di vivere in pace – dividano il mondo in bene e male, noi e loro. In questo contesto, "collochiamo" i prigionieri al di fuori della società. Eppure creano la loro comunità, hanno le loro relazioni, i loro modi di comunicare ed esistere. Nel mio lavoro, voglio mostrare quest'altra prospettiva. Allo stesso tempo, è molto facile portare un'opera fuori dal carcere, esporla e dire: "Questa è arte creata dietro le sbarre". Ma è anche importante che la cultura trovi la sua strada nelle carceri. Che esista una membrana più porosa tra la "società" e ciò che consideriamo ai margini. Dovrebbe essere un dialogo, non uno scambio unilaterale.

Se dovessi usare una sola parola per descrivere la tua mostra, quale sarebbe?

Riparo.

Non me l'aspettavo. Puoi spiegarmelo?

Certo! Non è esattamente una casa nel senso tradizionale del termine, ma piuttosto uno spazio che ho creato per sentirmi al sicuro. Il lavoro sul trauma è ancora in corso, ma parallelamente ho iniziato a costruire un tetto simbolico sopra la mia testa. Qualcosa che mi dia un senso di rifugio.

Cosa vorresti che gli spettatori provassero o capissero quando ammirano la tua arte?

Credo che i temi da cui ho iniziato fossero molto personali e fortemente legati alle mie esperienze. Col tempo, tuttavia, si sono evoluti in una riflessione più ampia sul bisogno umano di una casa. È un bisogno universale, anche se non sempre consapevole. Se ciò che creo permette agli altri di identificarsi con esso, se qualcuno vi ritrova una parte di sé, allora sarò davvero felice.